DotNet First Side: Jul 28, 2020

Tuesday, July 28, 2020

Santos Mateos Publica Nuevo Estudio Sobre Gestión De La Comunicación En Los Museos

Acaba de ser publicado en la prestigiosa revista Comunication & Society de la Facultad de Comunicaciones de la Universidad de Navarra, un nuevo artículo del reconocido experto español Santos Mateosd Rusillo.

Mateos Rusillo, gran animador de las redes sociales de museología y académico de la Universidad de Vic, en Barcelona expone como la reducción de dinero público y el aumento de la exigencia social a los museos, han confluido en una única vía capaz de congeniarlas: llegar al máximo posible de autofinanciación por la vía de la generación de recursos propios a través del patrocinio.

En parte de su introducción señala:

"La crisis económica mundial y las sucesivas medidas de ajuste del gasto público dictadas por el Gobierno de España supusieron una caída contundente y progresiva del gasto público en cultura a partir de 2008. En un documento de trabajo sobre el modelo español de financiación de las artes y la cultura en el contexto europeo, sus autores sintetizaban en una única oración la situación vivida en el mundo de la cultura de España a partir de ese año: "todo lo que parecía sólido en el mundo cultural parece desvanecerse en el aire de la crisis" (Rubio, Rius & Martínez, 2014, p. 7).

Para comprobarlo, basta repasar los anuarios de estadísticas culturales publicados por el Gobierno en el período 2008-2016. Si el gasto liquidado en cultura por la Administración General del Estado representaba un 0,10 % del P.I.B en el ejercicio 2008, en 2016 era ya de un 0,06 %. Teniendo presente el modelo de gobernanza de la cultura en España, con un peso muy importante de las comunidades autónomas y de la administración local, es necesario conocer la evolución del gasto de la administración autonómica, que pasaba del 0,20 al 0,09 % y el de la administración local, que disminuía del 0,36 al 0,28 % (un resumen con todos los datos en Ministerio de Cultura y Deporte, 2018, p. 45)".

Pueden consultar el artículo completo en

https://www.unav.es/fcom/communication-society/es/articulo.php?art_id=753

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Guadi Galego Pon Voz Á Celebración Do Día Das Letras Galegas Da ASCM

. A Asociación Sociocultural ASCM celebra o día das nosas letras cun vídeo, con música da artista cedeiresa, que visibiliza que ser galego deixa marca.

A Asociación Sociocultural ASCM celebra o Día das Letras Galegas cunha montaxe audiovisual "Galego a flor de pel", na que pretenden visibilizar que - "ser galego se leva moi fondo e deixa pegada, marca"-. A iniciativa consistiu en gravar, no pel, palabras en lingua galega para fomentar o se emprego en tódolos ámbitos da vida. As fotografías, enviadas por persoas de toda a nosa Comunidade, están acompañadas polo tema "Recoñecéndome" da artista cedeiresa, Guadi Galego.

Guadi Galego non dubidou en sumarse a esta iniciativa - afirmando que -"emociona cando se emprega a súa música para estes proxectos". Desde a entidade do Terceiro Sector agradecen a xenerosidade da artista ao ceder o tema para a realización da peza conmemorativa. Outros colectivos coma a organización do festival equino, "Equiocio" quixeron aportar o seu gran de area para a realización do vídeo; achegando unha fermosa imaxe, na que a natureza de Covas cobra especial protagonismo.

A equipa de Voluntariado Inclusivo de ASCM fixo posible, unha vez máis, esta iniciativa que pretende que a cultura non pare, pese á crise sanitaria que se está a vivir. Unha fantástica oportunidade de reivindicar a lingua, nun ano no que a efeméride lingüística está adicada ao ferrolán, Ricardo Carvalho Calero. A peza estará subida nas redes sociais da entidade para que toda a cidadanía poida sentir, máis ca nunca, o "galego a flor de pel".

Repercusión en medios:

Ferrol360, 2020-05-16: "Guadi, "galego a flor de pel" para celebrar as Letras.
RadioVoz Ferrol, 2020-05-17, "ASCM celebra as letras con música de Guadi Galego".
El Boletín, 2020-05-16 "Guadi Galego pon voz á celebraxión das Letras Galegas da ASCM".

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Bauhaus Una Joven De 100 Años.

Duró tan solo 14 años, pero fue la base del diseño industrial y la arquitectura moderna. Su filosofía, hoy está más vigente que nunca y los movimientos reaccionarios que la acabaron, también.

Imagínese amigo lector, si hoy se organizara una escuela donde el aprendizaje no establece fronteras entre arquitectura, arte, diseños y artes y oficios. En este lugar cualquiera puede entrar, sin límite de edad, sexo o nivel de educación, en un proceso de aprendizaje mutuo, donde cada uno, dependiendo de su talento e interés, puede inclinarse por lo que le interese. Se hacen proyectos reales con las empresas y constructoras locales. Se trabaja sobre proyectos, no sobre materias, los estudiantes pueden profundizar en temas de su interés, desde tecnología hasta ballet.

El foco está en el proceso, no en el resultado.

Parece la descripción de una innovadora y revolucionaria forma de educarnos, pero no es así, tiene cien años.

Bauhaus no creó un estilo, más bien una filosofía. En su corta vida tuvo varios directores, sedes y enfoques, De allí nació el Diseño Industrial y la arquitectura industrializada. Un diseño gráfico funcional de tipografía y el diseño de superficies como disciplina,
Curiosamente fue su cierre en 1933, que repartió a sus maestros por el mundo, especialmente hacia Estados Unidos, lo que logró que tuviera tanta influencia posterior.

Su ascendencia en la industria fue colosal. A ella se debe la creación de un lenguaje del producto desde los materiales y su transformación, El establecimiento de principios de geometría y simetría en los objetos de producción seriada, el correcto manejo del color, la economía y racionalización de los materiales, el diseño desde la producción y el "hacer" desde el carácter de los materiales.

A pesar que estos principios son aplicados hasta hoy por la industria y la construcción, empresas como la exitosa IKEA y los grandes rascacielos de cristal de Nueva York son un ejemplo de ello. Al final la educación tradicional por objetivos que tanto se irritó con Bauhaus, que ganó silenciosamente la batalla hoy empieza a perder la guerra. Hoy buena parte de las escuelas de artes, arquitectura y diseños, son islotes dentro de un archipiélago que se llama Universidad. Los oficios fueron desterrados de estas instituciones y volvieron a ser considerados inferiores. Los talleres desocupados, cerrados o desmantelados donde se prescindió de los maestros prácticos. El esquema piramidal y elitista escolástico donde los profesores no valen por su experiencia práctica sino por maestrías y doctorados.

El mundo ha cambiado mucho en 100 años. No tenían los maestros de Bauhaus un interés en el tema ambiental o de sostenibilidad, que estaba por fuera de su radar en esos tiempos, estaban muy lejos de imaginar el mundo conectado donde nos movemos hoy y no esperaban el ocaso y transformación de la industria.

¿Cómo sería hoy Bauhaus si los estamentos reaccionarios no la hubieran acabado? Nunca lo vamos a saber, pero podemos imaginar un lugar donde la gente entra a estudiar para experimentar, no hay clases magistrales, no otorga un título, pero se da un espacio de encuentro y descubrimiento, una formación personalizada de acuerdo a intereses y competencias particulares de cada estudiante, serían personas que formadas en la experimentación y con entusiasmo, montaría allí sus propios emprendimientos o se vincularían aportando a otros. La tecnología estaría conviviendo con el arte y la música. productos industriales serían diseñados por metalurgicos trabajando con programadores en empresas locales asociadas.

La reacción a los propósitos de Bauhaus en los estamentos tradicionales, sigue siendo la misma, pero la apertura y disponibilidad de la información, está logrando que lo que estos maestros soñaban se esté dando naturalmente, la descentralización del conocimiento, la inutilidad de las jerarquías, el diseño participativo y la ruptura de paradigmas largamente consolidados.
Larga vida a Bauhaus hoy más viva que nuncaMore information

El «Mayor Robo De Obras De Arte De La Historia»

Isabella Stewart Gardner nació en Nueva York el 14 de abril de 1840 en el seno de una familia acomodada –los Stewart– que amasaron su fortuna gracias al lino de Irlanda que importaban a los Estados Unidos y a las excelentes inversiones que realizó su padre, David Stewart, con aquellas ganancias. Durante su etapa de formación en el extranjero, la joven conoció en París al empresario John Lowell Gardner Jr. (1837 – 1898) con el que se casó poco antes de cumplir los 20 años, en 1860. Jack e Isabella se instalaron en Boston, hogar de los Gardner, y tres años más tarde tuvieron un hijo, John Lowell Gardner III (Jackie), que falleció de neumonía en 1867. Siguiendo el consejo de su médico, la joven pareja decidió viajar por Europa, Asia y Oriente Medio durante las siguientes dos décadas.

En 1878, el profesor de historia del arte de la Universidad de Harvard, Charles Eliot Norton, la invitó a participar en la Dante Society y, a partir de aquel momento, Isabella –que siempre se había sentido muy atraída por la vida intelectual y artística de Boston– comenzó a coleccionar libros y manuscritos y, desde 1896, cuadros, al adquirir un Autorretrato de Rembrandt. Con esa primera iniciativa, una estancia en el Palazzo Barbaro, de Venecia –propiedad de los bostonianos Daniel y Ariana Curtis– le ofreció la posibilidad de conocer a los pintores John Singer Sargent, James McNeil Whistler y Ralph Curtis, brindándole la ocasión de establecer un museo en la capital de Massachusetts, asesorada por el experto Bernard Berenson. A pesar de la repentina muerte de su marido, Isabella quiso continuar adelante con el proyecto, adquiriendo un solar para que el arquitecto Willard T. Sears levantase un edificio de nueva planta, entre 1899 y 1901, de evidente inspiración italiana y con diversos elementos (columnas, dinteles, balaustres, capiteles y estatuas) originales de Italia, donde pudo reunir su incalculable colección de pinturas, esculturas, tapices, muebles, manuscritos, libros raros y artes decorativas en el denominado Isabella Stewart Gardner Museum que se abrió al público el 1 de enero de 1903 para mostrar una de las mejores colecciones privadas de arte de los Estados Unidos.

La mecenas murió en 1924 dejando estipulado en su testamento que no debía cambiarse nada de las galerías y que tampoco se adquiriese ni vendiera ningún objeto de la colección.

Johannes Vermeer | El concierto (1663)

En tan solo 81 minutos, dos hombres disfrazados de policía acudieron a la sede del Museo bostoniano la madrugada del 18 de marzo de 1990 fingiendo que habían recibido un aviso. El guardia de seguridad rompió el protocolo y tanto él como su compañero del turno de noche fueron maniatados en el sótano del edificio mientras los ladrones desvalijaban 13 piezas únicas; motivo por el cual el propio FBI lo calificó como el mayor robo de obras de arte de la historia.

Actualmente, continúan sin aparecer El concierto de Johannes Vermeer (sobre estas líneas, es considerado el lienzo desaparecido más valioso del mundo): un autorretrato y los cuadros Dama y caballero de negro y Tormenta en el mar de Galilea (en la imagen superior), de Rembrandt; el Retrato de Chez Tortoni, de Édouard Manet; Saliendo del paddock, de Edgar Degas (abajo); y otros estudios en carboncillo o un bronce chino del s. XII; de modo que el Isabella Stewart Gardner Museum ofrece una recompensa de 10.000.000 de dólares a quien facilite información que permita recuperar todas las obras robadas.

Edgar Degas | Saliendo del paddock (s. XIX)

Como es imposible llenar el vacío que dejaron los ladrones, hoy en día, los visitantes aún pueden contemplar los marcos sin los lienzos, esperando que en algún momento regresen.

Fotografía de Sean Dungan de la Sala Holandesa

NB: como curiosidad, este robo es uno de los FBI Top Ten Art Crimes que la Oficina de Investigación Federal creó en noviembre de 2005 para llamar la atención sobre las obras maestras robadas y obtener la ayuda del público para recuperarlas y llevar a los ladrones ante la justicia. Para Anthony M. Amore -que, en 2005, asumió las funciones de director de seguridad del museo-(...) it remains the greatest unsolved art heist in the world (sigue siendo el mayor robo de arte sin resolver del mundo) [AMORE, A. M. & MASHBERG, T. Stealing Rembrandts: The Untold Stories of Notorious Art Heists. Nueva York: Pelgrave McMillan, 2011, p. IX].

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